قررت الشركة العربية للسينما بدء عرض الفيلم السينمائي الجديد "ولد وبنت" بدور العرض يوم 10 شباط/ فبراير المقبل وقال عبد الجليل حسن المتحدث باسم الشركة : إن الفيلم يعد تجربة مهمة في إطار الاهتمام بسينما الشباب حيث إن معظم أبطاله من الشباب الجدد حيث سبق أن قدمت الشركة للشباب أعمال عدة منها "أوقات فراغ" وماجيك
الممثلة مريم حسن
وأضاف أن بين أبطال الفيلم مريم حسن وأحمد داود وأية محمود حميدة إلى جانب سوسن بدر وسامي العدل والمطرب هاني عادل نجم والفيلم من تأليف علا عزالدين وإخراج كريم العدل في أولى تجاربه الإخراجية واستغرق تصويره 6 أسابيع مابين مدينة الإنتاج الاعلامي وشوارع وسط البلد والكوربة بمصر الجديدة.
ويدور الفيلم حول قصة حب عمرها 27 عاما وعلاقة بنت وولد منذ أن كان عمرهما 7 سنوات بجميع تطورات الحياة التي مرا بها خلال هذه الفترة الزمنية.
وانتهت مونتيرة الفيلم سولافة نور الدين من مراحل المونتاج النهائية ليكون الفيلم جاهزا للعرض ليقدم مجموعة من الشباب بينهم مهندس الديكور عاصم علي ومدير التصوير عبد السلام موسى وملابس ريم العدل.
وتعرض دور العرض المصرية حاليا عددا من الأفلام الجديدة أحدثها "كلمني شكرا" لخالد يوسف و"أحاسيس" لهاني جرجس فوزي كما يبدأ اليوم عرض فيلم "رسائل البحر" للمخرج الكبير داود عبد السيد
من بواكير افلام العام الجديد في مصر فيلم رسائل البحر الذي فتح ستارته للصحافة والجمهور في نفس الليلة، وكان من المنتظر ان يكون بحجم "الضجة " التي سبقت ظهوره وراهن عليه الكثيرون باعتبار ان القصة والاخراج لداوود عبد السيد وكونه تلقى الدعم من وزارة الثقافة المصرية، لكن نوع من خيبة الامل رافقت من شاهده وبالطبع سترافق من سيشاهده في الايام والاسابيع المقبلة.
مشهد من فيلم رسائل البحر
يدعو الفيلم بشكل صريح الى التمرد على قيود المجتمع التي تفرضها العائلة والتقاليد من خلال الانغماس وراء الاهواء الشخصية والجري وراء الملذات والمحرمات من جنس وخمر ولا مبالاة لتشكل الرسالة الاولى للفيلم، وذلك من خلال قصة بطل الفيلم آسر ياسين "يحي" الذي يفلت من العائلة بموت الاب وهجرة الاخ الاكبر، فيجد نفسه حرا طليقا ليعيش حياته بعد ان حرم من جمالها كما يقول بسبب اصرار العائلة على نجاحه فيصبح طبيبا لكنه يترك المهنة بسبب التلعثم الذي يعاني منه منذ الصغر.
يحي يرى في البحر ملجائه وهنا يرتبط عنوان الفيلم بالدراما العامة للاحداث حيث تاتي رسائل البحر على شكل نزوات وتجارب متتالية ليست سعيدة بكاملها بل يكتنفها الجوع والمرض والحرمان والتخبط بالواقع الجديد، فيتحول الى صياد ليكسب قوته اليومي باشارة رمزية الى حرية البحار وحياته الطليقة والماجنة، ويتعرف على تاثير الخمر التي توصله الى التعرف بالفتاة "نورا" التي لعبت دورها الفنانة بسمة التي ستكون المحور الاساسي بعلاقته مع الجنس الاخر.
نورا هي الزوجة الثانية لرجل ثري، لكنها استطاعت ان تقنع يحي مثلما اقنعت نفسها بانها مومس كونها دائما الرقم 2 ويمنع عليها الخروج من الظل ومهمتها الوحيدة امتاع زوجها الذي يزورها بين الحين والاخر، لاشباع رغبته الجنسية لا اكثر، ومع اقتناع يحي انها مومس فقد اصر على حبه لها مقررا الارتباط بها، هذه ثاني اشارات الفيلم والتي تعتبر خطرة الطرح في المجتمع العربي، فتعدد الزوجات شرعه الدين وامر الزوجة الثانية منتشر ويتقبله المجتمع بشكل كبير، وتم تصوير نورا بانها تعيش في الفراغ على رغم الثراء الذي تعيش فيه، والاشارة الثالثة اتت بتقبل يحي للارتباط والزواج من مومس وكانها دعوة لتقبل العهر وممارسة اقدم مهنة في التاريخ على رغم رفض المجتمع للفكرة من خلال المشهد الاخير من الفيلم حين يقتحم مجموعة من الشبان شقة يحي ويطردوه منها مع عشيقته بسس "الرذيلة" علما ان الشبان هم من رجال "الحاج" هاشم الذي جسده الفنان صلاح عبدالله، التاجر المؤمن الذي يستعمل الديناميت ليصطاد السمك بكميات كبيرة تدليلا على طمعه ولجوئه الى اي وسيلة لتحقيق الربح الشخصي.
يؤخذ على الفيلم كثرة المشاهد الساخنة والعري المبتذل الذي يفوق الحدود فاغلب المشاهد اما تظهر الممثلين عراة او بالسرير يمارسون الجنس، واكثرها ابتذالا مشاهد السحاق بين كارلا "سامية اسعد"، الخياطة صديقة يحي القديمة وزبونتها التي سرعان ما تحولت الى عشيقة ولهانة، وشغهما الكبير لممارسة الجنس ومشاركة الفراش ولو كان هذا في فراش يحي الذي كان لا يزال يحتفظ بالذكريات الجميلة للقبلات مع جارته الجميلة المتحدرة من اصول ايطاليا حيث نراه مصدوما من اكتشافه الامر ورضوخه للواقع، حتى ان المومسات ظهرن في الفيلم من كل الجنسيات من خلال فتيات الملهى الليلي الذي يعمل به ابيل صديق يحي الوحيد، علما ان تشابكا غير مفهوم حصل عندما حاولت حبيبة قابيل "محمد لطفي" التحرش بيحي مع علمها انه صديقه المقرب، بينما كان ابيل يكيل الضربات التي اظهرها بشكل عفوي وغير مقصود لرجل حاول التحرش بها.
اجمل لحظات الفيلم بل اجمل افكاره، عازفة البيانو المجهولة التي يعشق يحي عزفها مكتفيا بالاستماع عبر الرصيف غير عالم بانها هي نفسها معشوقته نورا التي اخفت عنه الامر كما اخفت حقيقتها بانها سيدة محترمة، واجمل اللقطات التصويرية اتت مع العاصفة الهوجاء التي تضرب شواطئ الاسكندرية اذ اتى المشهد رائعا مكتملا بمرض يحي وجوعه وكان الطبيعة غضبت عليه بسبب ما يقوم به في حياته الجديدة .
لقطات رمزية كثيرة شاهدناها في الفيلم خصوصا ابيل الحارس وقوته الجبارة ومرضه وخوفه من الموت وفقدان الذاكرة بالاضافة الى ندمه من حياته الماضية بعد ان قتل شخصا بعد عراك، واجمل الرموز كانت الرسالة الموجودة في الزجاجة التي وجدها بحار في اول لقطات الفيلم فخاف منها واعادها الى البحر والتي ظهرت ليحي بعد العاصفة الكبيرة فاخذها لكنه فشل في معرفة ما كتب فيها فلا لغة من اللغات المعروفة تنطبق على احرفها.
وينبغي الاشارة اخيرا الى ان الفيلم كان من المقرر ان يقوم ببطولته الفنان الراحل احمد زكي مع الفنانة هيفاء وهبي، لكن قيل ان المرض والموت منعاه من تجسيد الدور، لكن بعد ان نرى ان مجموعة كبيرة من الفنانين رفضوا الانضمام الى اسرة الفيلم امثال كريم عبد العزيز وهاني سلامة واحمد عز ومصطفى شعبان نجد السبب من خلال ما اسلفناه من مشاهد عري وتمرد على المجتمع. والملاحظة اخيرة ان الفيلم مصنف للكبار فقط، وننصحهم هم ايضا بعدم مشاهدته
. Le Pianiste (The Pianist) est un film franco-polonais réalisé par Roman Polanski, sorti en 2002. Il est adapté du roman autobiographique de Władysław Szpilman. (Un texte théâtral sur le même sujet a été réalisé par Robin Renucci en 2004.)
Le film raconte l'histoire vraie du pianiste juif polonais (Władysław Szpilman), issu d'une famille modeste. L'histoire se déroule à Varsovie pendant la Seconde Guerre mondiale. Lorsque les nazis s'emparent de la ville, ils commencent par supprimer au fur et à mesure tous les droits des juifs, puis finissent par les regrouper dans un ghetto. Les conditions de vie y sont effroyables, la nourriture étant rare et chère, des morts gisant à même le sol.
Des tracts illégaux circulent dans le ghetto et Władysław rencontre de temps à autres les membres du petit groupe dissident. Jusqu'au jour où les nazis les assassinent tous. Władysław travaille en tant qu'ouvrier tandis que sa famille est déportée. Il essaie tout de même de fournir des armes à ses camarades juifs qui résistent aux Allemands. La confrontation est terrible, laissant encore beaucoup de traces dans l'esprit du musicien. Władysław est tout de même hébergé par des résistants qui lui apportent régulièrement de quoi survivre sans éveiller les soupçons des nazis. Il finit par tomber gravement malade alors que les Russes s'apprêtent à attaquer Varsovie. Il habite durant quelques temps dans un hôpital déserté, puis se réfugie dans une maison en ruines peu avant la libération de la ville. Mourant de faim et de soif, il se cache des Allemands dans un petit grenier mais finit par être trouvé par un officier allemand, Wilm Hosenfeld, et Władysław croit sa fin toute proche.
Mais sa passion pour la musique va le sauver lorsque l'officier découvre que Szpilman est pianiste. Il lui offre à boire et à manger. Avant que les Russes ne prennent la ville, l'officier part en lui laissant son manteau d'hiver. Władysław exulte lorsqu'il voit les uniformes russes s'approcher de lui. Mais le prenant pour un Allemand, ils commencent par lui tirer dessus avant de réaliser leur erreur. L'officier allemand est quant à lui fait prisonnier par les Russes, mais Władysław ne connait pas le nom de son bienfaiteur et ne pourra pas lui venir en aide.
Władysław Szpilman fait partie des rares survivants du ghetto, ayant énormément souffert de la famine, de la guerre, et des exactions des nazis. .
Convenons qu’il n’y aurait pas de films de suspense si les personnages se comportaient prudemment et de manière exemplaire. Les drames – dans les maisons abandonnées, les cavernes ou en plongée sous-marine – arrivent surtout quand on se met à faire des conneries. The Cave, à cet égard, était exemplaire. Le film britannique The Descent vient démontrer que les femmes aussi peuvent agir stupidement.
Le film de Neil Marshall commence avec trois femmes faisant de la descente de rapides (en Écosse, présume-t-on). Le mari et la fillette de l’une d’elles, Sarah, les attendent à l’arrivée. Sur le chemin du retour, l’époux soucieux cause un accident routier digne de The Omen, dont Sarah sera la seule survivante. Le spectateur pas trop distrait aura deviné que… Enfin, notez le regard que s’échangent le mari et l’une des autres femmes.
Un an plus tard dans les Appalaches, le même groupe de sportives, auxquelles se joignent deux autres amies ou connaissances (plus la blonde de l’une d’elles, comprend-on) se lance dans une autre aventure. L’objectif est de souligner leurs retrouvailles par une expédition qui les liera : une descente spéléologique. Juno, forte tête du trio initial, ne joue pas franc jeu dès le départ. Trouvant que la première caverne choisie était une trop facile « trappe à touristes », elle mène plutôt le groupe vers l’entrée d’un réseau nouvellement découvert et non-exploré – mais sans le leur dire. C’est seulement quand une carte s’avérerait indispensable qu’elle avoue sa faute. On s’égare, on se coince dans un conduit étroit, on vient près d’être écrasé lors d’une secousse sismique, on perd des cordes d’escalade, on franchit un abîme au péril de sa vie, on a des hallucinations auditives… Et ça, c’est avant que les choses ne se
gâtent !
Puis on fait des découvertes : de l’art rupestre digne de Lascaux, du matériel d’escalade datant d’un siècle et les squelettes humains qui vont avec. Mais on n’a pas le choix de poursuivre, à la recherche de la deuxième issue (car la première a été bloquée par le séisme).
L’ambiance n’est décidément plus à la camaraderie, surtout lorsqu’on commence à voir les hominidés carnassiers…
Devant ce film pas très bavard, le spectateur est libre de spéculer – comme les infortunées aventurières – sur l’origine de ces créatures. Pour ma part j’ai choisi de croire qu’il s’agissait d’humains dévolués au fil des millénaires, car ils sont gris de peau, aveugles comme toute faune cavernicole et ils ont développé un système de sonar à la manière des chauves-souris. Par ailleurs ils ne sont pas captifs sous terre car des monceaux d’ossements (et une carcasse de chevreuil montrée dans la forêt à l’arrivée) établissent qu’ils vont chercher leurs proies à la surface.
Le film est captivant, intense, féroce, et comporte quelques retournements. Je ne surprendrai personne en annonçant que les six femmes ne sortiront pas toutes vivantes de cette descente aux enfers, excusez le cliché.
Il ne s’agit pas d’un Grand Film, mais pourquoi ne pas vous payer un doublé spéléologique avec The Cave, qui datait lui aussi de 2005 ? .
Le succès de The Omen en 1976, malgré son petit budget, avait permis à Richard Donner de réaliser par la suite le premier Superman avec Christopher Reeves et plusieurs autres méga-succès comme Lethal Weapon, sans compter l’Oscar que The Omen avait valu à Jerry Goldsmith pour son inquiétante musique chorale en latin.
Trente ans plus tard, l’oeuvre a été reprise par John Moore, toujours sur le scénario de David Seltzer puisqu’il s’agit du même film presque plan pour plan. Seules ont été ajoutées une mort violente au début du film et quelques scènes de cauchemar. Et la décapitation, vers la fin, se passe autrement. Le nouveau film, tourné en République Tchèque, s’avère plus léché mais (du moins pour un spectateur qui a vu et revu l’original) bien moins intense.
La faute (si faute il y a) n’en revient pas juste aux acteurs. La critique a reproché à Liev Schreiber (vu antérieurement dans The Mandchurian Candidate) un jeu plutôt figé ; mais si on revoit Gregory Peck dans ce rôle de Robert Thorn, ambassadeur étatsunien à Rome puis à Londres, on note qu’il le jouait sans plus d’intensité. Mia Farrow incarne désormais la sinistre nanny, et Pete Postlethwaite (lugubre comme toujours) le père Brennan. David Thewliss, dans le rôle de l’infortuné photographe Jennings, succède à David Warner (à qui le site IMDb attribue près de deux cents rôles !).
L’histoire, faut-il le rappeler, est celle du couple Thorn dont le premier bébé s’avère mort-né. La mère ne le sait pas (on suppose que l’accouchement problématique s’est passé sous anesthésie), aussi l’ambassadeur Thorn se voit-il offrir, par un prêtre de l’hôpital romain où cela se passe, un nouveau-né dont la jeune mère est morte en couches, et dont le père est inconnu. Déchiré, Thorn accepte et présente le bébé à son épouse comme le leur propre. On l’appellera Damien (jamais un prénom ne se sera autant propagé dans la société occidentale à la suite d’un seul film…).
Saut, six ans dans le futur. Thorn est maintenant ambassadeur au Royaume-Uni et des choses dramatiques commencent à se produire: la jeune nanny de Damien se suicide lors de sa fête d’anniversaire, un vieux prêtre sert des mises en garde confuses à Thorn pour être ensuite empalé par la chute d’un paratonnerre, Katherine (l’épouse de Thorn) devient dépressive et commence à être hostile au bambin.
Un paparazzi, qui a des raisons de se sentir concerné par les mauvais présages (« omens ») se lance avec l’ambassadeur dans une enquête qui les mènera dans la Cité Éternelle puis en Terre Sainte. En un mot comme en cent, Damien (né d’un chacal femelle, et non d’une femme) serait le fils du démon, c’est-à-dire l’Antéchrist. Les chiffres 666 dissimulés à la racine de ses cheveux en constitueraient la preuve et quiconque menacerait l’avenir du garçon subira un sort tragique – dû à tout sauf au hasard.
Si vous êtes vraiment féru de fantastique biblique (et de cinéma), pourquoi ne pas vous offrir une séance de visionnement comparatif entre les deux versions ? Si en plus vous louez le coffret anniversaire du premier Omen, celui de Donner, vous aurez droit à des heures de matériel complémentaire, dont une bonne part s’avère intéressante. (Vous pensiez comme moi qu’il y avait eu deux suites au célèbre film? Eh bien il y en avait eu quatre, dont un téléfilm et le pilote d’une série télévisée jamais concrétisée.)
Pour la petite histoire, Harvey Stephens, qui incarnait le premier Damien aux joues roses et au sourire malicieux, joue un reporter dans The Omen 2006 (je ne l’ai pas vu, l’ayant su par la suite). Quant à son successeur, le petit Seamus Davey-Fitzpatrick, on l’a choisi dans un autre registre, plutôt pâle et renfrogné, choix qui se défend bien car son air taciturne a quelque chose d’inquiétant.
Si par ailleurs vous êtes trop jeune pour avoir connu l’œuvre d’origine, la version 2006 se laisse regarder comme un bon thriller fantastique, sans plus. Avec trente ans d’évolution dans l’horreur, on ne pouvait s’attendre à ce que la nouvelle mouture ait un impact comparable à l’original, surtout en l’imitant d’aussi près. On se pose la même question que pour Psycho ou L’Aventure du Poséidon: pourquoi les avoir refaits ? .
Qui peut se vanter d’être le chouchou de Cannes? Personne, à part, bien sûr, l’Autrichien Michael Haneke. Tous ses longs métrages, sans exception, ont été présentés dans le cadre de ce prestigieux festival. En fait, ce cinéaste doit clairement sa renommée internationale à Cannes. Deux récompenses importantes ont couronné son travail: le Grand Prix pour La Pianiste en 2001 et le Prix de la Mise en scène pour Caché en 2005. Et, comble de la chance, lors du festival de Cannes 2009, le jury d’Isabelle Huppert a décerné la Palme d’Or à son dernier film Das Weiße Band ou Le Ruban Blanc, pour la traduction française.
Dans ce film, Michael Haneke (qui est également le scénariste) raconte une histoire qui se passe dans un village du nord de l’Allemagne, à la veille de la première guerre mondiale; là, la vie s’organise autour des enfants et de la chorale locale. Mais d’étranges accidents remettent en cause la quiétude ambiante.
Avec son actrice fétiche Susanne Lothar (c’est leur quatrième film ensemble), qui joue notamment la mère martyre dans le très controversé Funny Games originel réalisé en 1997, et Ulrich Tukur, qui fut remarqué dans Amen (2002) puis dans Le Couperet (2005) réalisés par Costa-Gavras, Michael Haneke nous donne un film d’une durée de deux heures vingt-cinq minutes où l’on ne finit pas de s’émouvoir...
C’est le premier film du cinéaste dans sa langue natale depuis 1997, et c’est une pure merveille cinématographique... Mais comme tous les films de Michael Haneke, il laisse toujours un indescriptible arrière-goût d’amertume, une fois la projection terminée! .
Tony Scott fait un retour fracassant avec son nouveau long-métrage, « L’Attaque du métro 123″, Pelham 123. L’ultime station est le remake de Les Pirates du métro de 1974 dans lequel on retrouve Denzel Washington, qui déclare au Figaro qu’il se considère comme « un homme ordinaire » ayant « un travail extraordinaire » lui permettant de se glisser dans la peau des autres et de gagner raisonnablement sa vie.
« Mon rêve, c’était Broadway, pas Hollywood »", déclare l’acteur new-yorkais Denzel Washington dans un entretien au Figaro. C’est en 2003 qu’il a décidé de passer à la réalisation en avec un premier long métrage intitulé Antwone FisherMan on Fire,Un crime dans la tête et dans L’Attaque du métro 123. racontant l’histoire d’un jeune noir de la marine américaine contraint de consulter un psychiatre de la Navy. Depuis cette date, l’acteur a trouvé sa voie dans les remakes, comme en témoignent ses prestations dansL’Attaque du métro 123 est un film américain de Tony Scott qui sort en France ce mercredi 29 juillet 2009. Quatre gangsters investissent une rame du métro de New York et prennent en otage les occupants. Ils vont alors réclamer une forte rançon avant de libérer les otages. La police va-t-elle céder à leurs exigences ? C’est à découvrir ce soir.
. On peut considérer 'G.I. Joe: le réveil du Cobra' de trois manières. Pour les plus cyniques, ce film n'est autre qu'une tentative transparente d'amasser du blé sur le dos de la marque (de jouets) bien connue. Les plus optimistes, eux, trouveront que le réalisateur Stephen Sommers fait exactement la même chose que ce que font des générations de petits garçons depuis un demi-siècle: faire s'affronter des petites figurines en plastique.
Quant aux gens au regard plus réaliste, ils avanceront que ce blockbuster est fait dans le même moule que tout ces aspirants succès de l'été qui l'ont précédé. L'accent est à nouveau mis sur les effets spéciaux, laissant peu de place au reste.
Mais quelle que soit votre approche de 'G.I. Joe: le réveil du Cobra', il faut une sacré dose de bonne volonté pour pouvoir parler d'une entreprise fructueuse. Le problème provient principalement du manque de variation de Sommers. Rien de plus normal que de faire démarrer son film sur les chapeaux de roues avec une scène d'action grandiose, mais ensuite, il oublie de lâcher un peu les gaz. Résultat, en moins de temps qu'il ne faut pour le dire, le moteur s'emballe.
En résumé, 'G.I. Joe: le réveil du Cobra' est avant tout épuisant, même si Sommers mérite quelques points de bonus pour avoir limité l'humour infantile au minimum. .
Les adaptations de bandes dessinées ou de graphic novels au cinéma ne trouvent pas en moi un public conquis d’avance. J’ai failli dormir aux deux séances de Spider Man, j’ai été fort critique face à Constantine et The League of Extraordinary Gentlemen, et je ne me suis tout simplement pas dérangé pour Fantastic Four et autres hulkeries. V for Vendetta a cependant fait vibrer mes cordes sensibles, et avec quelle force!
Au générique, le nom des frères Wachowski, surtout comme scénaristes, n’était pas à mes yeux une garantie de qualité, après le gâchis confus des deux derniers Matrix (au point de vue scénario, s’entend). Quant au réalisateur, James McTeigue, il en était au premier film à porter son nom en tête d’affiche (l’Australien avait servi d’assistant aux frères Wachowski – certes une bonne école pour ce qui est des films d’action). Tout en étant un film d’action, V for Vendetta n’est cependant pas que ça. Presque entièrement nocturne et souterrain, il parvient à rendre intense et poignante l’histoire d’un homme qu’on ne verra jamais autrement que masqué (le polyvalent Hugo Weaving, qui a dû apprécier échapper aux séances de maquillage…). Son personnage, en effet, a jadis été défiguré lors d’un incendie, à la faveur duquel il s’est échappé d’une prison-laboratoire où des cobayes humains servaient à des recherches sur un virus et son antidote. Ces recherches s’avéreront avoir été au centre d’un complot de l’extrême droite pour prendre et garder le pouvoir, dans une Angleterre fasciste post-thatcherienne. C’est contre ce gouvernement, et son chancelier Sutler (John Hurt, très 1984), que « V » cherche vengeance, se réclamant du personnage historique de Guy Fawkes pour appeler à l’insurrection populaire et au renversement de l’état oppresseur. « V » recueillera sous son aile une jeune employée de la télévision, Evey, dont la famille figure au nombre des victimes de la dictature. D’abord réticente, Evey (Natalie Portman) subira un bouleversant baptême du feu (ou du fer), se fera raser le coco et finira alliée de « V ». Quiconque n’aurait vu la jeune madame Portman que dans le rôle de la princesse Amygdale des récents StarWars, découvrira avec ravissement qu’elle est excellente actrice, ce que savaient déjà les cinéphiles qui l’avaient appréciée dans Closer.
Duplicité du pouvoir, hypocrisie de l’extrême droite, intérêts occultes, exploitation de la peur, mensonge érigé en base de gouvernement, tout est là pour évoquer les États-Unis de Bush et compagnie, même si la bande dessinée d’origine d’Alan Moore s’en prenait plutôt au régime Thatcher. À travers cette oppression (et le film est oppressant), l’enquête d’un inspecteur intègre (incarné par Stephen Rea) et la résistance frivole mais brave d’un animateur de la télé (Stephen Fry, de Wilde mémoire) laissent passer la lueur d’un peu d’espoir dans cet univers concentrationnaire où toute dissidence, toute différence, tout raffinement culturel, sont voués à l’extermination.
Si j’étais plus versé en BD anglo-saxonne, je pourrais commenter le fait que l’auteur de l’histoire originelle, Alan Moore, a désavoué le film. À 132 minutes, avec la qualité cinématographique, les personnages intenses et l’acuité dramatique qui le caractérisent, V for Vendetta est peut-être un compromis, mais il ne fait certes pas bon marché de l’oeuvre d’origine. .
. Avez-vous déjà pris un coup de poing dans l’estomac? Le souffle coupé, une douleur indéfinissable, quelque part entre le mal physique et le maux psychologique, et cette volonté un peu pathétique de s’en remettre aussitôt, de ne pas perdre face. The chaser est un gros coup de poing dans l’estomac; une redéfinition du thriller que l’on sentait entériné et (sur/sous-)codifié. Et l’intelligence du jeune Hong-jin Na, alors encore élève d’une école de cinéma, est d’avoir réécrit le genre en toute modestie, en œuvrant en son sein tout en s’en distançant, sans jamais oublier l’exercice de style. Poisseux comme un prospectus lynché par la pluie, The Chaser se rompt prodigieusement au premier tiers, comme si un premier film venait de s’achever, juxtaposant l’art de l’ellipse (on entre en plein cœur d’un mystère, la disparition des filles) et celui du montage. Véritable emblème de la rupture et de la contre-rupture de rythme (la poursuite en pente montante, étouffante), de ton (la satire burlesque qui scie l’horreur) et de genre (du thriller pur, on vire à l’investigation cauchemardesque), The Chaser, comme tout grand thriller, de Soupçons à Usual Suspects, du Voyeur à Se7en, malmène les idées de Mal et de Bien, plus prosaïquement du « gentil » et du « méchant », en les confondant et les associant, Joong-ho et Young-min étant tous les deux en marge de la société et de la loi. Loi qui, selon Hong-jin Na, marche sur la tête, sur la tête des filles/proies bientôt ou déjà assassinées, tant celle-ci baigne dans l’incohérence et l’impuissance – ce qui la rapproche ironiquement de Young-min. Car ici, tous les protagonistes et l’ensemble des institutions se retrouvent inexorablement liées, confrontées aux bassesses de la nature humaine et à l’aberration d’un système. La loi juridique et la loi de la rue se rencontrent d’ailleurs dans un final fracassant, où puissance et impuissance ne font plus qu’une, une même entité de refoulement et de défoulement, une violence qui se réclame autant de la justice que du défouloir. Quintessence du thriller et exercice de style flamboyant, The Chaser, a contrario de Se7en qui en avait vandalisé les codes, honore le genre d’une œuvre qui marque autant qu’elle compte. .
